Wykład w formie audycji radiowej wpisujący się w temat festiwalu: improwizacja jako komponowanie tu i teraz, w obecności publiczności. Przemysław Psikuta opowie o zmieniającej się roli improwizacji – od muzyki dawnej po współczesność, od ustnych tradycji po partytury, od klasyki po jazz i Keitha Jarretta.
Zapisy: prmozg@mozg.pl
Przemysław Psikuta: muzykolog, dziennikarz radiowy, publicysta. Związany z Programem 2 Polskiego Radia i pismami Ruch Muzyczny, Jazz Forum. Wykładowca Akademii Muzycznej w Łodzi.
Ido Bukelman
Urodzony w Izraelu w 1981 roku, obecnie mieszka w Berlinie. Gitarzysta, multiinstrumentalista, kompozytor-performer i poeta.
Od dwunastego roku życia eksploruje brzmienia, wydobywając ze swoich instrumentów coraz szersze spektrum dźwięków – od subtelnych po skrajnie intensywne. Jego twórczość łączy elementy muzyki współczesnej, free jazzu i bluesa z tradycją orientalno-folkową. Buduje i rozbija struktury rytmiczne, sięga po dysharmonie, konsekwentnie przesuwając granice możliwości brzmieniowych gitary i innych instrumentów.
www.idobukelmanmusic.com
Grzegorz Tyszkiewicz – popularyzator muzyki.
W latach 80., we Włocławku, wraz z gitarzystą Tonym Kinskym współtworzył postindustrialny duet Marchlevski. Od 2010 roku prowadzi wytwórnię muzyczną Bocian Records. Aktywny w sieci – na swoim kanale YouTube realizuje cykl „Muzyka z Oddali”, w ramach którego rozmawia z artystami i innymi wydawcami, a także nagrywa audioeseje poświęcone klasykom muzyki eksperymentalnej. Do tej pory powstało blisko 100 odcinków tego podcastu. Jego zainteresowania obejmują muzykę eksperymentalną o nieakademickim rodowodzie, muzykę improwizowaną oraz związki muzyki ze sztuką XX wieku i takimi ruchami jak Fluxus. W latach 2017–2023 prowadził blog „Z dźwiękiem”. Okazjonalnie występuje jako DJ, wykorzystując w swoich setach wadliwie wytłoczone lub celowo uszkodzone płyty – tzw. test pressingi. Współpracował m.in. z festiwalami Musica Genera, Avant Art, Unsound, Sacrum Profanum i Muzyka z Mózgu.
Tej nocy swój program “Jam Session w Dwójce” Przemek Psikuta poprowadzi ze studia lokalnej rozgłośni Radia PiK, która przez 1,5 h nadawać będzie na antene ogólnopolskiej.
Audycja będzie przedłużeniem spotkania, które odbędzie się o 17:00 w Młynach Rothera, a tematem obu będzie “Improwizacja jako sztuka komponowania w obecności publiczności”.
Gośćmi audycji będą Sławek Janicki i Qba Janicki - odpowiedzialni za program 21st Mózg Festival. Dużo muzyki i rozmów o idei festiwalowej oraz zaproszonych w tym roku artystach.
Tomaž Grom to słoweński kontrabasista i kompozytor. Muzyka jest dla niego przede wszystkim medium komunikacji, a nie jedynie źródłem estetycznej przyjemności. To forma poszukiwania, zadawania pytań bez gotowych odpowiedzi. Kompozycja to dla niego improwizacja, a improwizacja daje przestrzeń, by się zagubić.
Karolina Głusiec / Sławek Janicki / Qba Janicki
To kwintesencja mózgowego podejścia do dźwięku: porzucanie nawyków, szukanie nieznanego, łamanie form. W specjalnej, festiwalowej odsłonie WMI pojawi się trio twórców obrazu i dźwięku, którzy nie będą ograniczać się do znanych sobie narzędzi, otwierając się na ryzyko i totalną improwizację.
Michał Kostrzewa / Patrycja Pączkowska / Piotr Kikta
„Głuchy telefon, czyli trzy symultaniczne występy na instrument solo i głośnik w warunkach niezwrotnej inspiracji”
Trzech muzyków, trzy sceny, trzy niezależne występy – połączone jednokierunkowym przepływem dźwięku. Każdy solista inspiruje się tym, co słyszy z głośnika, nie mając dostępu do źródła dźwięku ani kontaktu z pozostałymi wykonawcami – choć w rzeczywistości słyszy przetworzony efekt gry innego muzyka. Eksperyment z inspiracją, która nigdy nie wraca do źródła – jak w zabawie w głuchy telefon.
Michał Osowski / Michał Kostrzewa
Instalacja performatywno-dźwiękowa
Eksperyment z feedbackiem i dystorsją. Saksofon staje się tu rurą rezonansową – używany bez zadęcia – połączoną z cyfrowym instrumentem przetwarzającym dźwięk w czasie rzeczywistym. Granice między źródłem a przetworzeniem zacierają się, tworząc nowy wymiar brzmienia.
Dalajlama. Przez mądrość do szczęścia
reż. B. Miller, P. Delaquis | USA, Szwajcaria 2024 | 91 min
Blisko 90-letni Jego Świątobliwość Dalajlama dzieli się refleksjami na temat wyzwań XXI wieku, oferując praktyczne wskazówki i duchowe wsparcie w niełatwych czasach. Film został zrealizowany w sposób, który sprawia wrażenie intymnej rozmowy – widz czuje się jak gość w jego domu.
To medytacyjna podróż ku wewnętrznej równowadze i szczęściu, w której Dalajlama przypomina: każda i każdy z nas ma dostęp do własnego klucza.
Eksperymentalna kompozycja dla dwóch perkusistów i 48 silników elektromagnetycznych, badająca związek pomiędzy impulsem perkusyjnym, przestrzenią i ruchem. W projekcie (ex)tension artyści tworzą analogowy, trójwymiarowy system dźwiękowy, który reaguje w czasie rzeczywistym, wykorzystując specjalnie zaprojektowane komponenty przemysłowe. Impuls – zmieniany w czasie i przestrzeni – staje się głównym tworzywem muzycznym.
Za koncepcję odpowiadają: Fabrizio di Salvo oraz kolektyw reConvert, czyli Roberto Maqueda i Mikołaj Rytowski – perkusjoniści, którzy w swojej praktyce łączą muzykę współczesną, elektronikę, inżynierię dźwięku i performans.
https://www.reconvert.org/extensions-disalvo/
Ela Jabłońska to artystka wizualna, której praktyka artystyczna osadzona jest w krytycznym dialogu z rzeczywistością społeczną. W swojej twórczości prowadzi ironiczną grę z przypisywanymi jednostce rolami społecznymi i mechanizmami działania instytucji sztuki. Jej prace często wpisywane są w kontekst sztuki feministycznej i postfeministycznej.
Tworzy instalacje, fotografie, performance oraz działania czasowo-przestrzenne, traktując dzieło sztuki jako obiekt relacyjny – otwarty na negocjacje znaczeń i interpretacji. Obecnie skupia się na gestach artystycznych, które inicjują współdziałanie, budują efemeryczne wspólnoty i tworzą przestrzenie wzajemnej komunikacji – często bez potrzeby wytwarzania materialnych obiektów czy przypisywania sobie autorstwa.
Profesorka na Wydziale Sztuk Pięknych UMK w Toruniu, prezeska Fundacji W788. Laureatka prestiżowej nagrody Spojrzenia (2003) oraz Nagrody im. Katarzyny Kobro (2023). Brała udział w wielu wystawach indywidualnych i zbiorowych w Polsce i za granicą.
Czy potrafisz zatrzymać myśl? W świecie przesyconym bodźcami, pytanie „O czym myśli teraz Twój mózg?” staje się impulsem do zatrzymania się i zajrzenia w głąb siebie. Instalacja Grodzkiego i Urbańskiej to zaproszenie do aktu samoobserwacji; lustrzany obiekt zachęca przechodniów, by zapisali swoją aktualną myśl. Zbiór tych spontanicznych zapisów może stworzyć mapę nieoczywistej wspólnoty lub pokazać splątane sieci nieświadomych powiązań między ludźmi.
Drugim elementem instalacji jest symboliczna akcja performatywna: dwoje ludzi uwięzionych w workach na śmieci: metafora naszych myśli, które zatruwa nadmiar, konsumpcjonizm i chaos informacyjny. Ich wyjście z „worków” to symbol narodzin nowej, czystej myśli, gest oczyszczenia i odzyskania wolności.
Piotr Aleksander Grodzki – artysta interdyscyplinarny (rzeźba, malarstwo, ceramika, performance), mieszka i tworzy w Koronowie, Berlinie i Greifswaldzie. Absolwent Uniwersytetu Ernsta Moritza Arndta.
Agata Urbańska-Krasowska – graficzka i ceramistka, absolwentka UMK w Toruniu. Prowadzi autorską pracownię Kurza Chata, gdzie łączy malarstwo, ceramikę i upcykling, tworząc unikalne, pełne emocji obiekty.
Audiowizualna instalacja sensoryczna reagująca na otaczające dźwięki (głosy, kroki, szmery). Przetwarza je w czasie rzeczywistym i emituje jako nowe struktury dźwiękowe. Instalacja działa wyłącznie podczas festiwalu.
Radosław Kobus – malarz i artysta dźwiękowy, współtwórca Kolonii Artystów w Gdańsku. W swojej twórczości bada światło, falę i abstrakcyjne formy.
Julien Desprez to francuski gitarzysta i performer, którego solowe występy stają się multisensorycznymi doświadczeniami. W swojej praktyce skupia się na ciele i jego relacji z dźwiękiem, traktując gitarę i elektronikę jako rozszerzenie fizyczności. Na festiwalu zaprezentuje projekt „Agora” — transową kompozycję na gitarę, elektronikę i podorytmię, łączącą napięcie elektryczne, ruch i rytm w dynamiczną eksplorację wspólnoty i teraźniejszości.
https://www.juliendesprez.com/
Teoniki Rożynek to kompozytorka z pasją do sound designu, która czerpie inspirację z dźwięków codzienności. Kolekcjonuje dźwiękowe odpady i przypadkowe przedmioty, wykorzystując je do tworzenia muzyki elektronicznej i elektroakustycznej. Gra na skrzypcach, elektronikaliach i nietypowych instrumentach. Tworzy solowo i w zespołach, współpracując z artystami różnych dziedzin przy filmach, spektaklach i instalacjach multimedialnych. Miłośniczka kotów.
Eksperymentalna kompozycja dla dwóch perkusistów i 48 silników elektromagnetycznych, badająca związek pomiędzy impulsem perkusyjnym, przestrzenią i ruchem. W projekcie (ex)tension artyści tworzą analogowy, trójwymiarowy system dźwiękowy, który reaguje w czasie rzeczywistym, wykorzystując specjalnie zaprojektowane komponenty przemysłowe. Impuls – zmieniany w czasie i przestrzeni – staje się głównym tworzywem muzycznym.
Za koncepcję odpowiadają: Fabrizio di Salvo oraz kolektyw reConvert, czyli Roberto Maqueda i Mikołaj Rytowski – perkusjoniści, którzy w swojej praktyce łączą muzykę współczesną, elektronikę, inżynierię dźwięku i performans.
https://www.reconvert.org/extensions-disalvo/
Perforto to duet strunowy na gitarę elektryczną i fortepian preparowany, który tworzą Ola Rzepka i Łukasz Marciniak. Ich improwizacje to fizyczne badanie dźwięku: jego barwy, wysokości, natężenia i przepływu w czasie. Preparując instrumenty drewnem, metalem, papierem i innymi materiałami, artyści poszukują sonorystycznej wrażliwości – w intensywności, subtelności, radykalności i chaosie otaczającego świata.
W 2023 roku ukazał się ich album Uragano nakładem australijskiej wytwórni Ramble Records, entuzjastycznie przyjęty przez krytyków.
Ola Rzepka – pianistka, perkusistka, kompozytorka, performerka. Tworzy muzykę teatralną i współczesną, występuje na najważniejszych festiwalach w Polsce i za granicą. Założycielka zespołów Drekoty i DEAE. W 2024 roku wyróżniona w rankingu Jazz Top magazynu Jazz Forum.
Łukasz Marciniak – gitarzysta, improwizator, kompozytor. Członek m.in. zespołów Trio_io, El Topo i Attack of the Mugatu. Autor muzyki filmowej i performatywnej. W grze solowej i improwizowanej rozwija autorskie techniki artykulacyjne.
Australijski kompozytor, pianista i artysta dźwiękowy, tworzący na pograniczu muzyki współczesnej, elektroniki, improwizacji i filmu. Jego twórczość to 90+ utworów łączących instrumenty, elektronikę i notację w unikalny sposób. Współtwórca zespołów takich jak Thymolphthalein, North of North czy tētēma. Niezależnie od formatu – od awangardowego hip-hopu po klasykę współczesną – dąży do maksymalnego skupienia i zmysłowej obecności dźwięku. Mieszka i tworzy w Castlemaine, Australia.
https://www.anthonypateras.com/
https://anthonypateras.bandcamp.com/
Duet Czajka & Puchacz, działający na stałe w Słowenii, zadebiutował w lipcu 2020 roku akustycznym albumem Bivališča. Rok później ukazał się ich kolejny projekt – singiel Entschuldigung, wydany pod alter ego Kiebitz & Uhu, w którym duet eksperymentował z retro-awangardowym popem. Od tamtego czasu artyści kontynuują poszukiwania na pograniczu instant songwriting, europejskiej szkoły swobodnej improwizacji i idiomu musique concrète, znanego z ich debiutu.
Ich twórczość balansuje między egzystencjalną refleksją a abstrakcją codzienności – łącząc brzmienia preparowanego fortepianu, elektroniki, wokalu i perkusyjnych struktur.
Skład:
Kaja Draksler (SI) – preparowany fortepian, klawisze, wokal, instrumenty perkusyjne
Szymon Gąsiorek (PL) – perkusja, wokal, elektronika
Perkusistka i artystka dźwiękowa z Londynu i Hongkongu. Tworzy z materiału, który „nie powinien brzmieć” – z zaskoczenia, z nadmiaru, z dziecięcej słodyczy, która tylko pozornie łagodzi przekaz. Jej praktyka koncentruje się wokół cielesnego doświadczania dźwięku, rezonansu, echa aktywizmu i miłości własnej – tej gorzkiej, tej prawdziwej.
W performansie wykorzystuje własne ciało jako pudło rezonansowe: „To jak zakochiwanie się, ale utknięcie w samym akcie spadania”.
https://angelahuiwainok.com/about/
https://angelahuiwainok.bandcamp.com/
Edyta Gepard to toruński duet, który łączy swobodną improwizację z post-punkowym zacięciem i estetyką yassową. W skład zespołu wchodzą:
Patrycja Pączkowska – gitara basowa, flet, głos
Maciej Karmiński – perkusja, taczka
Ich muzyka to eksperymentalne poszukiwania w obrębie hałasu, rytmu i dźwiękowej narracji. Zespół nie boi się zanurzyć w tematach takich jak miłość, śmierć, życie, transmutacja i transcendencja.
https://edytagepard.bandcamp.com/
PÖ to francusko‑ghanijska artystka głosu i producentka dźwięku, dzieląca czas między Francję a Ugandę. Na debiutanckim albumie Cociage (Hakuna Kulala, 2023) tworzy hipnotyczne pejzaże z własnego głosu, od noise rapu i industrialu po ambient, post‑punk i echa afrykańskiej tradycji. Jej koncert to rytuał, w którym głos przekształca się w hybrydowy byt, jednocześnie maszynowy i duchowy. Dźwięki stają się emocjami, które domagają się wypowiedzenia.
DJ-ka, promotorka i współzałożycielka festiwalu Sfora.
Członkini kolektywu Fraktion Nimmersatt z Berlina. Jej sety to emocjonalne podróże przez różnorodne rytmy – od eksperymentalnego techno i footworku po IDM i ambient. Unika przewidywalnych struktur, tworząc dynamiczne, immersyjne doświadczenia. Jako promotorka łączy muzykę z praktykami wspólnotowymi i aktywizmem. W swojej pracy eksploruje potencjał muzyki jako narzędzia transformacji i regeneracji.
https://soundcloud.com/goscinska/sets/here-and-now
Michał Szota (offline 1982-1996).
https://instagram.com/michalszota/
Eksperymentalna kompozycja dla dwóch perkusistów i 48 silników elektromagnetycznych, badająca związek pomiędzy impulsem perkusyjnym, przestrzenią i ruchem. W projekcie (ex)tension artyści tworzą analogowy, trójwymiarowy system dźwiękowy, który reaguje w czasie rzeczywistym, wykorzystując specjalnie zaprojektowane komponenty przemysłowe. Impuls – zmieniany w czasie i przestrzeni – staje się głównym tworzywem muzycznym.
Za koncepcję odpowiadają: Fabrizio di Salvo oraz kolektyw reConvert, czyli Roberto Maqueda i Mikołaj Rytowski – perkusjoniści, którzy w swojej praktyce łączą muzykę współczesną, elektronikę, inżynierię dźwięku i performans.
https://www.reconvert.org/extensions-disalvo/
Zapraszamy na premierę słuchowiska „John Citizen rozmawia z Mirą Awen”, które odbędzie się 20 września o godz. 14:00.
Tym razem John Citizen – artysta znany już festiwalowej publiczności z instalacji „MAKE ART NOT WAR”, prezentowanej wcześniej przed klubem Mózg, a także w Warszawie i w Sokołowsku – pojawi się w zupełnie nowej odsłonie - jako głos.
Słuchowisko przyjmie formę rozmowy Johna z tajemniczą myślicielką Mirą Awen. Ich dialog prowadzi przez pytania o sens sztuki współczesnej, o znaczenie muzyki nieoczywistej i improwizacji, o obecność i uważność, aż po graniczne pytanie: czy do tworzenia sztuki potrzebny jest człowiek?
To spotkanie dwóch głosów, które nie proponują gotowych odpowiedzi, lecz otwierają przestrzeń dla słuchacza.
To dialog, który wciąga i nie daje się łatwo sklasyfikować — łączy w sobie filozofię i muzyczną wrażliwość, tradycję Cage’a i Suzuki z doświadczeniem współczesnej sceny.
To propozycja dla młodych, którzy chcą odkryć, że sztuka współczesna jest czymś więcej niż dekoracją, oraz dla dorosłych, którzy szukają czegoś wykraczającego poza to, co już znają. Mira Awen to postać nieuchwytna, od lat obecna w przestrzeni sztuki i filozofii pod tym samym pseudonimem. Niewiele o niej wiadomo — raz pojawia się w krótkich esejach publikowanych anonimowo, innym razem w rozmowach, które krążą bez autora. Jej imię łączy w sobie dwa źródła:
• Mira — od łacińskiego mirari, czyli „dziwić się”, „patrzeć z zachwytem”,
• Awen — w tradycji walijskich bardów oznacza „natchnienie”, strumień poezji, który przepływa przez człowieka, ale nie należy do niego.
Jedni widzą w niej filozofkę zafascynowaną zen, inni — artystkę dźwięku, jeszcze inni traktują Mirę jako konstrukt myślowy, literackie alter ego. Nikt jednak nie potrafi wskazać jej jednoznacznej biografii. Premiera słuchowiska on-line w sobotę 20 września o godzinie 14:00. Link, QR kod oraz wszelkie instrukcje pojawią się na stronie festiwalu oraz na FB tego samego dnia o godzinie 12:00.
Holenderski perkusista i improwizator mieszkający w Kolonii, który redefiniuje werbel jako instrument harmoniczny i melodyczny. W swojej praktyce solowej wykorzystuje techniki tarcia, ruchów okrężnych i precyzyjnego nacisku, wydobywając z instrumentu długie rezonujące brzmienia, alikwoty i mikrotonalne fluktuacje. Jego podejście oscyluje między improwizacją a kompozycją, skupiając się na rezonansie, fakturze i relacji z przestrzenią. Występował m.in. z Michaelem Vatcherem, Nate’em Wooleyem, Philipem Zoubkiem i Audrey Chen.
Mikołaj Rytowski perkusista i instrumentalista łączący improwizację, kompozycję i eksperyment. W swojej praktyce poszukuje nowych brzmień w instrumentach perkusyjnych oraz elektronicznych, przekraczając granice tradycyjnego wykonawstwa. Działa solowo oraz w zespołach iipm, understanding of skinning, Ensemble Lemniscate i reConvert project. Mieszka w Bazylei, gdzie ukończył Hochschule für Musik i aktywnie uczestniczy w lokalnym życiu artystycznym.
Na festiwalu zaprezentuje projekt Snare Drum – przestrzenną kompozycję na dwadzieścia preparowanych werbli, łączącą cechy instalacji dźwiękowej i performansu.
https://www.mikolajrytowski.com/
https://mikolajrytowski.bandcamp.com/
Shepherds of Cats to eksperymentalny kolektyw audiowizualny łączący swobodną improwizację z wizualną narracją tworzoną na żywo. Zespół – Aleksander Olszewski (bębny), Adam Webster (wiolonczela, głos), Dariusz Błaszczak (syntezator modularny), Jan Fanfare (gitara, daksofon, looper) i VJ Pietrushka (wizualizacje) – kreuje immersyjne spektakle balansujące między medytacją, chaosem a poczuciem humoru.
Ich koncerty to dźwiękowo-wizualne opowieści, które zaskakują i wciągają publiczność we wspólną grę. Od 2017 roku występują w Europie i Japonii, a także tworzą projekt Butoh Techno – synkretyczne połączenie tańca butoh, muzyki improwizowanej i sztuki video.
Saksofonista, kompozytor i improwizator, urodzony w Nowym Jorku, obecnie mieszkający w Berlinie. Tworzy na pograniczu free jazzu, noise’u, muzyki nowej i eksperymentalnej improwizacji. Rozwinął unikalny język gry solowej, poszerzając granice ekspresji saksofonu. Lider CP Unit, współtwórca projektu „Irrational Rhythms and Shifting Poles”, członek wielu międzynarodowych składów. Występował m.in. z Otomo Yoshihide, Keijim Haino i Chrisem Corsano. Aktywnie działa także jako kurator i organizator – współtwórca przestrzeni Richten25 w Berlinie.
https://chrispitsiokos.bandcamp.com/
Kompozytor i artysta dźwiękowy, jedna z kluczowych postaci europejskiej sceny muzyki eksperymentalnej. Tworzy z użyciem syntezatorów modularnych, mikrotonalności i alternatywnych strojeń, łącząc elektronikę z instrumentami akustycznymi.
Jego albumy (Lasting Clinamen, Euzebio, Lincoln Sea) to intensywne pejzaże dźwiękowe, wymykające się gatunkowym kategoriom. Komponuje także dla filmu (Walser), teatru (Opera dla Głuchych) i telewizji (TVP Kultura), traktując dźwięk jako pełnoprawną warstwę narracyjną.
Występował w niemal 40 krajach, m.in. na CTM, SONAR, LUFF, Unsound, Aural i Sacrum Profanum. Współtwórca festiwalu i wytwórni Musica Genera.
Twórczość Piotrowicza redefiniuje granice kompozycji, kontynuując tradycję Schaeffera czy Pendereckiego, ale z całkowicie autorską wrażliwością.
IFS MA to trio złożone z dwóch producentów – Krzysztofa Ostrowskiego i Mateusza Wysockiego (Fischerle) – oraz japońskiego rapera MA, poety i performera eksperymentalnego. Ich współpraca zaczęła się od eksploracji footworkowej rytmiki, by z czasem przeobrazić się w pełnoprawne, sonorystyczno-poetyckie laboratorium dźwięku i słowa. Na albumie REIFSMA oraz jego remiksowej kontynuacji, grupa przetwarza języki muzyki klubowej, eksperymentalnej i współczesnej na własną, niepokojącą i fascynującą narrację.
Wysocki (Fischerle) to producent i kurator labelu Pawlacze Perskie, związany z licznymi projektami sceny eksperymentalnej (Mech, Porcje Rosołowe, Bouchons d’Oreilles). Ostrowski to producent i instrumentalista z Bydgoszczy, współtwórca duetu Clinamen, mocno związany ze sceną skupioną wokół klubu Mózg. MA to radykalny głos japońskiego undergroundu – jego występy (m.in. Berghain, Unsound, Terraforma) łączą poetycki performans z noise’owym transem i hiphopową dekonstrukcją.
Selektorka o wyjątkowej wrażliwości i wyczuciu, z intuicją do dźwięków dziwnych, nastrojowych i ulotnych. Styl mi-el to zręczna gra kontrastów od śpiewnych pejzaży dźwiękowych i eksploracji własnych korzeni po współczesny bass, elektro i awangardową elektronikę.
Była bookerka kultowego MOT, obecnie rezydentka NTS, zaciera granice między DJ-ką a artystką dźwiękową. W ciągu zaledwie kilku lat zagrała w najważniejszych klubach i na najciekawszych festiwalach: Panorama Bar, De School, Boiler Room, Field Maneuvers, FOLD czy Big Dyke Energy.
https://soundcloud.com/miellllllll
https://instagram.com/michalszota/
Wstęp na wszystkie wydarzenia festiwalowe za okazaniem zaproszenia.
Bezpłatne zaproszenie można otrzymać ze strony.
https://tickets.mozg.pl/
Otrzymane zaproszenie w formie elektronicznej należy okazywać przy wejściu na festiwal.
Mózg Festival to międzynarodowe wydarzenie, które od lat stanowi unikalne forum spotkania artystów z Polski i z zagranicy, eksplorujących pogranicza muzyki współczesnej, performance'u, instalacji audio i wideo. Naszym celem jest tworzenie przestrzeni do głębokiej refleksji nad otaczającą rzeczywistością poprzez pryzmat sztuki, z zachowaniem szacunku dla tradycji i otwartości na najnowsze techniki.
Tegoroczna edycja Festiwal promuje wielokulturowość i interdyscyplinarność, zapraszając wybitne indywidualności oraz obiecujących młodych twórców. Tegoroczna edycja (2022-2025) odbywa się pod hasłem:
DO NOT FORGET TO KEEP YOUR MIND CLEAR. Wierzymy, że w dobie informacyjnego chaosu i globalnych wyzwań, sztuka staje się kluczowym narzędziem do rozwijania jasności umysłu i niezależnego myślenia, niezbędnego do stawienia czoła problemom współczesnego świata.
W programie Mózg Festival znajdą Państwo koncerty muzyki eksperymentalnej, wciągające performance'y, innowacyjne instalacje audiowizualne, warsztaty a także koncerty czy elektroniczne live acty. Dbamy o to, by wszystkie elementy przenikały się, tworząc spójny kontekst poruszany przez to flagowe działanie fundacji. W 2025 roku wprowadzamy trzydniowe warsztaty, w tygodniu poprzedzającym główny weekend festiwalowy. Spotkania będą dotyczyły improwizacji jako komponowania w czasie rzeczywistym. To okazja do zgłębienia filozoficznych i praktycznych aspektów improwizacji pod okiem wybitnych twórców.
Wstęp na wszystkie wydarzenia jest bezpłatny, realizowany poprzez system zaproszeń. Dzięki temu budujemy zaangażowaną społeczność odbiorców, dla której sztuka jest drogą do głębszego zrozumienia świata. Festiwal stawia również na dostępność, zapewniając udogodnienia dla osób ze szczególnymi potrzebami.
Zapraszamy do współpracy w promowaniu wydarzenia, wierzymy że jest spójne z Państwa ideami, aby pełnić ważną funkcję społeczną, inspirując do świadomego i otwartego spojrzenia na świat.
