Wykład w formie audycji radiowej wpisujący się w temat festiwalu: improwizacja jako komponowanie tu i teraz, w obecności publiczności. Przemysław Psikuta opowie o zmieniającej się roli improwizacji – od muzyki dawnej po współczesność, od ustnych tradycji po partytury, od klasyki po jazz i Keitha Jarretta.
Zapisy: prmozg@mozg.pl
Przemysław Psikuta: muzykolog, dziennikarz radiowy, publicysta. Związany z Programem 2 Polskiego Radia i pismami Ruch Muzyczny, Jazz Forum. Wykładowca Akademii Muzycznej w Łodzi.
Ido Bukelman
Urodzony w Izraelu w 1981 roku, obecnie mieszka w Berlinie. Gitarzysta, multiinstrumentalista, kompozytor-performer i poeta.
Od dwunastego roku życia eksploruje brzmienia, wydobywając ze swoich instrumentów coraz szersze spektrum dźwięków – od subtelnych po skrajnie intensywne. Jego twórczość łączy elementy muzyki współczesnej, free jazzu i bluesa z tradycją orientalno-folkową. Buduje i rozbija struktury rytmiczne, sięga po dysharmonie, konsekwentnie przesuwając granice możliwości brzmieniowych gitary i innych instrumentów.
www.idobukelmanmusic.com
Grzegorz Tyszkiewicz – popularyzator muzyki.
W latach 80., we Włocławku, wraz z gitarzystą Tonym Kinskym współtworzył postindustrialny duet Marchlevski. Od 2010 roku prowadzi wytwórnię muzyczną Bocian Records. Aktywny w sieci – na swoim kanale YouTube realizuje cykl „Muzyka z Oddali”, w ramach którego rozmawia z artystami i innymi wydawcami, a także nagrywa audioeseje poświęcone klasykom muzyki eksperymentalnej. Do tej pory powstało blisko 100 odcinków tego podcastu. Jego zainteresowania obejmują muzykę eksperymentalną o nieakademickim rodowodzie, muzykę improwizowaną oraz związki muzyki ze sztuką XX wieku i takimi ruchami jak Fluxus. W latach 2017–2023 prowadził blog „Z dźwiękiem”. Okazjonalnie występuje jako DJ, wykorzystując w swoich setach wadliwie wytłoczone lub celowo uszkodzone płyty – tzw. test pressingi. Współpracował m.in. z festiwalami Musica Genera, Avant Art, Unsound, Sacrum Profanum i Muzyka z Mózgu.
Tej nocy swój program “Jam Session w Dwójce” Przemek Psikuta poprowadzi ze studia lokalnej rozgłośni Radia PiK, która przez 1,5 h nadawać będzie na antene ogólnopolskiej.
Audycja będzie przedłużeniem spotkania, które odbędzie się o 17:00 w Młynach Rothera, a tematem obu będzie “Improwizacja jako sztuka komponowania w obecności publiczności”.
Gośćmi audycji będą Sławek Janicki i Qba Janicki - odpowiedzialni za program 21st Mózg Festival. Dużo muzyki i rozmów o idei festiwalowej oraz zaproszonych w tym roku artystach.
Tomaž Grom to słoweński kontrabasista i kompozytor. Muzyka jest dla niego przede wszystkim medium komunikacji, a nie jedynie źródłem estetycznej przyjemności. To forma poszukiwania, zadawania pytań bez gotowych odpowiedzi. Kompozycja to dla niego improwizacja, a improwizacja daje przestrzeń, by się zagubić.
Karolina Głusiec / Sławek Janicki / Qba Janicki
To kwintesencja mózgowego podejścia do dźwięku: porzucanie nawyków, szukanie nieznanego, łamanie form. W specjalnej, festiwalowej odsłonie WMI pojawi się trio twórców obrazu i dźwięku, którzy nie będą ograniczać się do znanych sobie narzędzi, otwierając się na ryzyko i totalną improwizację.
Michał Kostrzewa / Patrycja Pączkowska / Piotr Kikta
„Głuchy telefon, czyli trzy symultaniczne występy na instrument solo i głośnik w warunkach niezwrotnej inspiracji”
Trzech muzyków, trzy sceny, trzy niezależne występy – połączone jednokierunkowym przepływem dźwięku. Każdy solista inspiruje się tym, co słyszy z głośnika, nie mając dostępu do źródła dźwięku ani kontaktu z pozostałymi wykonawcami – choć w rzeczywistości słyszy przetworzony efekt gry innego muzyka. Eksperyment z inspiracją, która nigdy nie wraca do źródła – jak w zabawie w głuchy telefon.
Michał Osowski / Michał Kostrzewa
Instalacja performatywno-dźwiękowa
Eksperyment z feedbackiem i dystorsją. Saksofon staje się tu rurą rezonansową – używany bez zadęcia – połączoną z cyfrowym instrumentem przetwarzającym dźwięk w czasie rzeczywistym. Granice między źródłem a przetworzeniem zacierają się, tworząc nowy wymiar brzmienia.
Dalajlama. Przez mądrość do szczęścia
reż. B. Miller, P. Delaquis | USA, Szwajcaria 2024 | 91 min
Blisko 90-letni Jego Świątobliwość Dalajlama dzieli się refleksjami na temat wyzwań XXI wieku, oferując praktyczne wskazówki i duchowe wsparcie w niełatwych czasach. Film został zrealizowany w sposób, który sprawia wrażenie intymnej rozmowy – widz czuje się jak gość w jego domu.
To medytacyjna podróż ku wewnętrznej równowadze i szczęściu, w której Dalajlama przypomina: każda i każdy z nas ma dostęp do własnego klucza.
Eksperymentalna kompozycja dla dwóch perkusistów i 48 silników elektromagnetycznych, badająca związek pomiędzy impulsem perkusyjnym, przestrzenią i ruchem. W projekcie (ex)tension artyści tworzą analogowy, trójwymiarowy system dźwiękowy, który reaguje w czasie rzeczywistym, wykorzystując specjalnie zaprojektowane komponenty przemysłowe. Impuls – zmieniany w czasie i przestrzeni – staje się głównym tworzywem muzycznym.
Za koncepcję odpowiadają: Fabrizio di Salvo oraz kolektyw reConvert, czyli Roberto Maqueda i Mikołaj Rytowski – perkusjoniści, którzy w swojej praktyce łączą muzykę współczesną, elektronikę, inżynierię dźwięku i performans.
https://www.reconvert.org/extensions-disalvo/
Ela Jabłońska to artystka wizualna, której praktyka artystyczna osadzona jest w krytycznym dialogu z rzeczywistością społeczną. W swojej twórczości prowadzi ironiczną grę z przypisywanymi jednostce rolami społecznymi i mechanizmami działania instytucji sztuki. Jej prace często wpisywane są w kontekst sztuki feministycznej i postfeministycznej.
Tworzy instalacje, fotografie, performance oraz działania czasowo-przestrzenne, traktując dzieło sztuki jako obiekt relacyjny – otwarty na negocjacje znaczeń i interpretacji. Obecnie skupia się na gestach artystycznych, które inicjują współdziałanie, budują efemeryczne wspólnoty i tworzą przestrzenie wzajemnej komunikacji – często bez potrzeby wytwarzania materialnych obiektów czy przypisywania sobie autorstwa.
Profesorka na Wydziale Sztuk Pięknych UMK w Toruniu, prezeska Fundacji W788. Laureatka prestiżowej nagrody Spojrzenia (2003) oraz Nagrody im. Katarzyny Kobro (2023). Brała udział w wielu wystawach indywidualnych i zbiorowych w Polsce i za granicą.
Czy potrafisz zatrzymać myśl? W świecie przesyconym bodźcami, pytanie „O czym myśli teraz Twój mózg?” staje się impulsem do zatrzymania się i zajrzenia w głąb siebie. Instalacja Grodzkiego i Urbańskiej to zaproszenie do aktu samoobserwacji; lustrzany obiekt zachęca przechodniów, by zapisali swoją aktualną myśl. Zbiór tych spontanicznych zapisów może stworzyć mapę nieoczywistej wspólnoty lub pokazać splątane sieci nieświadomych powiązań między ludźmi.
Drugim elementem instalacji jest symboliczna akcja performatywna: dwoje ludzi uwięzionych w workach na śmieci: metafora naszych myśli, które zatruwa nadmiar, konsumpcjonizm i chaos informacyjny. Ich wyjście z „worków” to symbol narodzin nowej, czystej myśli, gest oczyszczenia i odzyskania wolności.
Piotr Aleksander Grodzki – artysta interdyscyplinarny (rzeźba, malarstwo, ceramika, performance), mieszka i tworzy w Koronowie, Berlinie i Greifswaldzie. Absolwent Uniwersytetu Ernsta Moritza Arndta.
Agata Urbańska-Krasowska – graficzka i ceramistka, absolwentka UMK w Toruniu. Prowadzi autorską pracownię Kurza Chata, gdzie łączy malarstwo, ceramikę i upcykling, tworząc unikalne, pełne emocji obiekty.
Audiowizualna instalacja sensoryczna reagująca na otaczające dźwięki (głosy, kroki, szmery). Przetwarza je w czasie rzeczywistym i emituje jako nowe struktury dźwiękowe. Instalacja działa wyłącznie podczas festiwalu.
Radosław Kobus – malarz i artysta dźwiękowy, współtwórca Kolonii Artystów w Gdańsku. W swojej twórczości bada światło, falę i abstrakcyjne formy.
Julien Desprez to francuski gitarzysta i performer, którego solowe występy stają się multisensorycznymi doświadczeniami. W swojej praktyce skupia się na ciele i jego relacji z dźwiękiem, traktując gitarę i elektronikę jako rozszerzenie fizyczności. Na festiwalu zaprezentuje projekt „Agora” — transową kompozycję na gitarę, elektronikę i podorytmię, łączącą napięcie elektryczne, ruch i rytm w dynamiczną eksplorację wspólnoty i teraźniejszości.
https://www.juliendesprez.com/
Teoniki Rożynek to kompozytorka z pasją do sound designu, która czerpie inspirację z dźwięków codzienności. Kolekcjonuje dźwiękowe odpady i przypadkowe przedmioty, wykorzystując je do tworzenia muzyki elektronicznej i elektroakustycznej. Gra na skrzypcach, elektronikaliach i nietypowych instrumentach. Tworzy solowo i w zespołach, współpracując z artystami różnych dziedzin przy filmach, spektaklach i instalacjach multimedialnych. Miłośniczka kotów.
Eksperymentalna kompozycja dla dwóch perkusistów i 48 silników elektromagnetycznych, badająca związek pomiędzy impulsem perkusyjnym, przestrzenią i ruchem. W projekcie (ex)tension artyści tworzą analogowy, trójwymiarowy system dźwiękowy, który reaguje w czasie rzeczywistym, wykorzystując specjalnie zaprojektowane komponenty przemysłowe. Impuls – zmieniany w czasie i przestrzeni – staje się głównym tworzywem muzycznym.
Za koncepcję odpowiadają: Fabrizio di Salvo oraz kolektyw reConvert, czyli Roberto Maqueda i Mikołaj Rytowski – perkusjoniści, którzy w swojej praktyce łączą muzykę współczesną, elektronikę, inżynierię dźwięku i performans.
https://www.reconvert.org/extensions-disalvo/
Perforto to duet strunowy na gitarę elektryczną i fortepian preparowany, który tworzą Ola Rzepka i Łukasz Marciniak. Ich improwizacje to fizyczne badanie dźwięku: jego barwy, wysokości, natężenia i przepływu w czasie. Preparując instrumenty drewnem, metalem, papierem i innymi materiałami, artyści poszukują sonorystycznej wrażliwości – w intensywności, subtelności, radykalności i chaosie otaczającego świata.
W 2023 roku ukazał się ich album Uragano nakładem australijskiej wytwórni Ramble Records, entuzjastycznie przyjęty przez krytyków.
Ola Rzepka – pianistka, perkusistka, kompozytorka, performerka. Tworzy muzykę teatralną i współczesną, występuje na najważniejszych festiwalach w Polsce i za granicą. Założycielka zespołów Drekoty i DEAE. W 2024 roku wyróżniona w rankingu Jazz Top magazynu Jazz Forum.
Łukasz Marciniak – gitarzysta, improwizator, kompozytor. Członek m.in. zespołów Trio_io, El Topo i Attack of the Mugatu. Autor muzyki filmowej i performatywnej. W grze solowej i improwizowanej rozwija autorskie techniki artykulacyjne.
Australijski kompozytor, pianista i artysta dźwiękowy, tworzący na pograniczu muzyki współczesnej, elektroniki, improwizacji i filmu. Jego twórczość to 90+ utworów łączących instrumenty, elektronikę i notację w unikalny sposób. Współtwórca zespołów takich jak Thymolphthalein, North of North czy tētēma. Niezależnie od formatu – od awangardowego hip-hopu po klasykę współczesną – dąży do maksymalnego skupienia i zmysłowej obecności dźwięku. Mieszka i tworzy w Castlemaine, Australia.
https://www.anthonypateras.com/
https://anthonypateras.bandcamp.com/
Duet Czajka & Puchacz, działający na stałe w Słowenii, zadebiutował w lipcu 2020 roku akustycznym albumem Bivališča. Rok później ukazał się ich kolejny projekt – singiel Entschuldigung, wydany pod alter ego Kiebitz & Uhu, w którym duet eksperymentował z retro-awangardowym popem. Od tamtego czasu artyści kontynuują poszukiwania na pograniczu instant songwriting, europejskiej szkoły swobodnej improwizacji i idiomu musique concrète, znanego z ich debiutu.
Ich twórczość balansuje między egzystencjalną refleksją a abstrakcją codzienności – łącząc brzmienia preparowanego fortepianu, elektroniki, wokalu i perkusyjnych struktur.
Skład:
Kaja Draksler (SI) – preparowany fortepian, klawisze, wokal, instrumenty perkusyjne
Szymon Gąsiorek (PL) – perkusja, wokal, elektronika
Perkusistka i artystka dźwiękowa z Londynu i Hongkongu. Tworzy z materiału, który „nie powinien brzmieć” – z zaskoczenia, z nadmiaru, z dziecięcej słodyczy, która tylko pozornie łagodzi przekaz. Jej praktyka koncentruje się wokół cielesnego doświadczania dźwięku, rezonansu, echa aktywizmu i miłości własnej – tej gorzkiej, tej prawdziwej.
W performansie wykorzystuje własne ciało jako pudło rezonansowe: „To jak zakochiwanie się, ale utknięcie w samym akcie spadania”.
https://angelahuiwainok.com/about/
https://angelahuiwainok.bandcamp.com/
Edyta Gepard to toruński duet, który łączy swobodną improwizację z post-punkowym zacięciem i estetyką yassową. W skład zespołu wchodzą:
Patrycja Pączkowska – gitara basowa, flet, głos
Maciej Karmiński – perkusja, taczka
Ich muzyka to eksperymentalne poszukiwania w obrębie hałasu, rytmu i dźwiękowej narracji. Zespół nie boi się zanurzyć w tematach takich jak miłość, śmierć, życie, transmutacja i transcendencja.
https://edytagepard.bandcamp.com/
PÖ to francusko‑ghanijska artystka głosu i producentka dźwięku, dzieląca czas między Francję a Ugandę. Na debiutanckim albumie Cociage (Hakuna Kulala, 2023) tworzy hipnotyczne pejzaże z własnego głosu, od noise rapu i industrialu po ambient, post‑punk i echa afrykańskiej tradycji. Jej koncert to rytuał, w którym głos przekształca się w hybrydowy byt, jednocześnie maszynowy i duchowy. Dźwięki stają się emocjami, które domagają się wypowiedzenia.
DJ-ka, promotorka i współzałożycielka festiwalu Sfora.
Członkini kolektywu Fraktion Nimmersatt z Berlina. Jej sety to emocjonalne podróże przez różnorodne rytmy – od eksperymentalnego techno i footworku po IDM i ambient. Unika przewidywalnych struktur, tworząc dynamiczne, immersyjne doświadczenia. Jako promotorka łączy muzykę z praktykami wspólnotowymi i aktywizmem. W swojej pracy eksploruje potencjał muzyki jako narzędzia transformacji i regeneracji.
https://soundcloud.com/goscinska/sets/here-and-now
Michał Szota (offline 1982-1996).
https://instagram.com/michalszota/
Eksperymentalna kompozycja dla dwóch perkusistów i 48 silników elektromagnetycznych, badająca związek pomiędzy impulsem perkusyjnym, przestrzenią i ruchem. W projekcie (ex)tension artyści tworzą analogowy, trójwymiarowy system dźwiękowy, który reaguje w czasie rzeczywistym, wykorzystując specjalnie zaprojektowane komponenty przemysłowe. Impuls – zmieniany w czasie i przestrzeni – staje się głównym tworzywem muzycznym.
Za koncepcję odpowiadają: Fabrizio di Salvo oraz kolektyw reConvert, czyli Roberto Maqueda i Mikołaj Rytowski – perkusjoniści, którzy w swojej praktyce łączą muzykę współczesną, elektronikę, inżynierię dźwięku i performans.
https://www.reconvert.org/extensions-disalvo/
Holenderski perkusista i improwizator mieszkający w Kolonii, który redefiniuje werbel jako instrument harmoniczny i melodyczny. W swojej praktyce solowej wykorzystuje techniki tarcia, ruchów okrężnych i precyzyjnego nacisku, wydobywając z instrumentu długie rezonujące brzmienia, alikwoty i mikrotonalne fluktuacje. Jego podejście oscyluje między improwizacją a kompozycją, skupiając się na rezonansie, fakturze i relacji z przestrzenią. Występował m.in. z Michaelem Vatcherem, Nate’em Wooleyem, Philipem Zoubkiem i Audrey Chen.
Mikołaj Rytowski perkusista i instrumentalista łączący improwizację, kompozycję i eksperyment. W swojej praktyce poszukuje nowych brzmień w instrumentach perkusyjnych oraz elektronicznych, przekraczając granice tradycyjnego wykonawstwa. Działa solowo oraz w zespołach iipm, understanding of skinning, Ensemble Lemniscate i reConvert project. Mieszka w Bazylei, gdzie ukończył Hochschule für Musik i aktywnie uczestniczy w lokalnym życiu artystycznym.
Na festiwalu zaprezentuje projekt Snare Drum – przestrzenną kompozycję na dwadzieścia preparowanych werbli, łączącą cechy instalacji dźwiękowej i performansu.
https://www.mikolajrytowski.com/
https://mikolajrytowski.bandcamp.com/
Shepherds of Cats to eksperymentalny kolektyw audiowizualny łączący swobodną improwizację z wizualną narracją tworzoną na żywo. Zespół – Aleksander Olszewski (bębny), Adam Webster (wiolonczela, głos), Dariusz Błaszczak (syntezator modularny), Jan Fanfare (gitara, daksofon, looper) i VJ Pietrushka (wizualizacje) – kreuje immersyjne spektakle balansujące między medytacją, chaosem a poczuciem humoru.
Ich koncerty to dźwiękowo-wizualne opowieści, które zaskakują i wciągają publiczność we wspólną grę. Od 2017 roku występują w Europie i Japonii, a także tworzą projekt Butoh Techno – synkretyczne połączenie tańca butoh, muzyki improwizowanej i sztuki video.
Saksofonista, kompozytor i improwizator, urodzony w Nowym Jorku, obecnie mieszkający w Berlinie. Tworzy na pograniczu free jazzu, noise’u, muzyki nowej i eksperymentalnej improwizacji. Rozwinął unikalny język gry solowej, poszerzając granice ekspresji saksofonu. Lider CP Unit, współtwórca projektu „Irrational Rhythms and Shifting Poles”, członek wielu międzynarodowych składów. Występował m.in. z Otomo Yoshihide, Keijim Haino i Chrisem Corsano. Aktywnie działa także jako kurator i organizator – współtwórca przestrzeni Richten25 w Berlinie.
https://chrispitsiokos.bandcamp.com/
Kompozytor i artysta dźwiękowy, jedna z kluczowych postaci europejskiej sceny muzyki eksperymentalnej. Tworzy z użyciem syntezatorów modularnych, mikrotonalności i alternatywnych strojeń, łącząc elektronikę z instrumentami akustycznymi.
Jego albumy (Lasting Clinamen, Euzebio, Lincoln Sea) to intensywne pejzaże dźwiękowe, wymykające się gatunkowym kategoriom. Komponuje także dla filmu (Walser), teatru (Opera dla Głuchych) i telewizji (TVP Kultura), traktując dźwięk jako pełnoprawną warstwę narracyjną.
Występował w niemal 40 krajach, m.in. na CTM, SONAR, LUFF, Unsound, Aural i Sacrum Profanum. Współtwórca festiwalu i wytwórni Musica Genera.
Twórczość Piotrowicza redefiniuje granice kompozycji, kontynuując tradycję Schaeffera czy Pendereckiego, ale z całkowicie autorską wrażliwością.
IFS MA to trio złożone z dwóch producentów – Krzysztofa Ostrowskiego i Mateusza Wysockiego (Fischerle) – oraz japońskiego rapera MA, poety i performera eksperymentalnego. Ich współpraca zaczęła się od eksploracji footworkowej rytmiki, by z czasem przeobrazić się w pełnoprawne, sonorystyczno-poetyckie laboratorium dźwięku i słowa. Na albumie REIFSMA oraz jego remiksowej kontynuacji, grupa przetwarza języki muzyki klubowej, eksperymentalnej i współczesnej na własną, niepokojącą i fascynującą narrację.
Wysocki (Fischerle) to producent i kurator labelu Pawlacze Perskie, związany z licznymi projektami sceny eksperymentalnej (Mech, Porcje Rosołowe, Bouchons d’Oreilles). Ostrowski to producent i instrumentalista z Bydgoszczy, współtwórca duetu Clinamen, mocno związany ze sceną skupioną wokół klubu Mózg. MA to radykalny głos japońskiego undergroundu – jego występy (m.in. Berghain, Unsound, Terraforma) łączą poetycki performans z noise’owym transem i hiphopową dekonstrukcją.
Selektorka o wyjątkowej wrażliwości i wyczuciu, z intuicją do dźwięków dziwnych, nastrojowych i ulotnych. Styl mi-el to zręczna gra kontrastów od śpiewnych pejzaży dźwiękowych i eksploracji własnych korzeni po współczesny bass, elektro i awangardową elektronikę.
Była bookerka kultowego MOT, obecnie rezydentka NTS, zaciera granice między DJ-ką a artystką dźwiękową. W ciągu zaledwie kilku lat zagrała w najważniejszych klubach i na najciekawszych festiwalach: Panorama Bar, De School, Boiler Room, Field Maneuvers, FOLD czy Big Dyke Energy.
https://soundcloud.com/miellllllll
https://instagram.com/michalszota/
Wstęp na wszystkie wydarzenia festiwalowe za okazaniem zaproszenia.
Bezpłatne zaproszenie można otrzymać ze strony.
https://tickets.mozg.pl/
Otrzymane zaproszenie w formie elektronicznej należy okazywać przy wejściu na festiwal.
Międzynarodowy Festiwal Muzyki Współczesnej i Sztuk Wizualnych „Mózg Festival“ to spotkanie artystów tworzących i poruszających się we wszystkich rejonach muzyki współczesnej, sztuki performance, audio i wideo instalacji, w których muzyka odgrywa istotną rolę.
Do udziału w festiwalu zapraszani są artyści z całego świata, gdyż jednym z założeń festiwalu jest jego wielokulturowość oraz prezentacje sprzyjające poznawaniu i rozumieniu wieloaspektowości kultur. Festiwal prezentuje najnowsze techniki wykonawcze oraz połączenia interdyscyplinarne w kontekście i poszanowaniu tradycji. Do udziału w festiwalu zapraszane są wybitne indywidualności świata sztuki oraz młodzi artyści, których dotychczasowe działania noszą znamiona wyjątkowych. Nieodzownym, w naszym odczuciu, elementem festiwalu jest także udział artystów lokalnych, spełniających powyższe założenia. Wszystkie działania artystyczne traktowane są jako środek, który prowadzić ma do głębszego poznania otaczającej nas rzeczywistości i przemian zachodzących na świecie oraz rozwoju osobistego zarówno twórców jak i odbiorców działań festiwalowych.
Aby jaśniej określić złożenia ideowe, kolejne edycje festiwalu otrzymują temat. Tematy kolejnych festiwali wynikają z siebie i dopełniają się, określając istotne myśli twórców festiwalu. Edycje festiwalu w latach 2019–2021 odbywały się pod hasłem "SZTUKA JAKO DROGA DO ROZUMIENIA". Uważamy, że sztuka, w szczególności współczesna, jest narzędziem do uruchamiania ukrytych wewnątrz mózgu możliwości percepcji i rozumienia tego, co nas otacza. Innymi słowy wychodzimy z założenia, że sztuka nie jest celem samym w sobie, a jest narzędziem do osiągania innych, głębszych celów. Sztuka pełni pewną funkcję społeczną. W różnych czasach, różne formy aktywności artystycznej pełniły różne funkcje społeczne. To samo dotyczy czasów nam współczesnych. 3 poprzednie edycje Festiwalu poruszały również tematy ściśle odnoszące się do problemów współczesnych społeczności i towarzyszyły im kolejne tematy: "COME DOWN TO EARTH", "DUCHOWOŚĆ JEST POWSZECHNA" oraz "MAKE ART NOT WAR".
W latach 2022–2025 festiwal odbywa się pod hasłem "DO NOT FORGET TO KEEP YOUR MIND CLEAR" (NIE ZAPOMNIJ ZACHOWAĆ JASNOŚCI UMYSŁU).
Uważamy, że w obecnym czasie, kiedy atakowani jesteśmy nadmiarem, często sprzecznych lub fałszywych, informacji, kiedy wiele wartości upada, kiedy zatraca się znaczenie dobra i zła, kiedy miliony ludzi żyje w niepewności, choćby z powodu niedawnej pandemii, toczących się wojen czy grożącej katastrofy ekologicznej, niebywale ważnym jest podejmowanie wysiłku dla utrzymywania jasności umysłu. Tylko jasno, samodzielnie myślący ludzie są w stanie, jako społeczeństwo, sprostać problemom współczesnego świata na poziomie osobistym, lokalnym i globalnym. Przedstawienie odpowiednio wyselekcjonowanych działań artystycznych oraz umieszczenie ich w odpowiednim kontekście może w znaczący sposób oddziaływać na zwiększenie percepcji odbiorców działań artystycznych, wykładów i spotkań, będących częściami festiwalu. Poszerzona percepcja oznacza jaśniejszy umysł, który zdolny jest do podejmowania niezależnych, mądrych decyzji.
Festiwal z założenia ma charakter międzynarodowy, zależy nam również aby z ideami Festiwalu docierać do społeczeństw w innych krajach, dlatego, dla szerszego rozumienia, decydujemy się na użycie języka angielskiego w haśle festiwalowym. Wielokulturowość festiwalu wynika z tego, iż wychodzimy z przekonania, że znajomość różnic kulturowych i świadoma akceptacja tych różnic jest podstawą do porozumienia międzynarodowego. Uważamy także, że sztuka współczesna, w tym muzyka eksperymentalna oraz wszystkie inne interdyscyplinarne formy tworzenia, wpływają w sposób znaczący na kreatywność człowieka oraz wytwarzają zdolność niezależnego, wolnego od stereotypów, myślenia. Jednostka ludzka obcująca na co dzień ze sztuką współczesną, mająca przy tym wiedzę na temat różnorodności kulturowych, otaczającej ją społeczności, ma szansę żyć w niej w sposób świadomy, pozbawiony lęków, pełen zrozumienia na potrzeby innych, ze zdolnością do stanowienia o sobie i współobywatelach, jako członek rozwijającego się wielokulturowego społeczeństwa obywatelskiego.
Mózg Festival to wydarzenie interdyscyplinarne, w którym muzyka odgrywa szczególną rolę, a poza muzyką zobaczymy performance art, instalacje audiowizualne, film, multimedia. Będzie też miejsce na wykłady, warsztaty i spotkania ze znaczącymi postaciami sztuki i filozofii. Program festiwalu będzie budowany tak aby wszystkie wymienione ze sztuk przenikały się, a spotkania i rozmowy budowały kontekst do działań artystycznych.
Festiwal nie posiada żadnych ograniczeń stylistycznych. Wykładnikiem w doborze artystów są: autentyczność prezentowanej sztuki (działania autorskie) oraz najwyższy poziom wykonawczy. Festiwalowi towarzyszą działania o charakterze edukacyjnym: warsztaty, wykłady, spotkania gości festiwalu z artystami oraz uznanymi autorytetami świata sztuki, filozofii i socjologii. Częścią projektu jest profesjonalna dokumentacja i archiwizacja audio–wideo.
Tegoroczne działania festiwalowe realizowane będą w kilku przestrzeniach: Jutrzence - budynek pofabryczny przy ul.Kościuszki 53 , Galerii Miejskiej BWA oraz klubie Mózg. Wstęp na wszystkie wydarzenia Festiwalu będzie bezpłatny, ale uwarunkowany będzie zaproszeniem, które otrzymuje się po wysłaniu maila. Jest to sprawdzony od kilku lat sposób na tworzenie społeczności festiwalowej – grupy osób, zrzeszonej wokół pewnych idei. Sposób ten stwarza poczucie uczestnictwa w określonej grupie społecznej, która powiększa się z roku na rok, pozostając jednak określoną z racji zainteresowań.
Podczas realizacji zadania deklarujemy chęć wprowadzenia w życie zasad, dotyczących zapewnienia dostępności osób ze szczególnymi potrzebami. Większość wydarzeń festiwalowych odbywać się będzie w miejscach dostosowanych do potrzeb osób niepełnosprawnych fizycznie. W klubie Mózg, gdzie nie posiadamy udogodnień dla osób niepełnosprawnych ruchowo, osoby takie będą miały możliwość wysłania zgłoszenia chęci udziału w wydarzeniu. Otrzymanie takiej informacji, skutkować będzie obecnością personelu, który pomoże osobie na wózku znaleźć się w budynku i uczestniczyć w wydarzeniu. Materiały drukowane posiadać będą QR kod – po jego sczytaniu, osoba niepełnosprawna przekierowana zostanie na stronę umożliwiającą zapoznanie się z materiałem.
Zgłoszenia o udziale osób niedosłyszących należy zgłosić na min. 7 dni przed wydarzeniem na adres: fundacja@mozg.art.pl
